Arte contemporáneo: libros para entender lo que no siempre se entiende

El público generalmente no dispone de las herramientas necesarias para interpretar el arte contemporáneo. Todos hemos oído frases como «esto lo puede hacer un niño», «el arte de antes si que era arte», «esto es una tomadura de pelo” o «¿pero esto por qué es arte?»… Todas estas frases ponen de manifiesto la distancia entre las formas tradicionales de mirar y las propuestas del arte actual.

A diferencia de otras manifestaciones artísticas anteriores, el arte contemporáneo no ofrece siempre una narrativa clara ni una estética amable y evidente. El arte actual exige algo distinto: contexto, atención y cuestionamiento constante a nuestra manera de mirar el arte. En ese sentido, algunos libros se convierten en aliados fundamentales. No tanto porque “expliquen” las obras, sino porque nos dan las claves para entrenar nuestra manera de ver.

Modos de ver, de John Berger

Uno de los libros imprescindibles es Modos de ver, de John Berger, donde Berger desmonta la idea de que mirar es un acto inocente y muestra cómo factores como el poder, la historia o la reproducción de imágenes influyen en nuestra percepción. Tras su lectura, resulta difícil volver a observar una obra del mismo modo: ya no se trata solo de lo que vemos, sino de cómo y desde dónde lo vemos.

El origen del libro fue el programa televisivo Ways of seeing, dirigido en 1972 por un jovencísimo John Berger. En el programa se propuso analizar cómo nuestros modos de ver afectan a la forma de interpretar. La serie recibió diversos premios, revolucionó la teoría del arte y fue adaptada al libro, convirtiéndose desde entonces en un título indispensable de la teoría del arte y de la comunicación visual. En sus páginas, Berger analiza cuatro aspectos de la interpretación de la pintura al óleo: su origen relacionado con el sentido de la propiedad, el uso continuado de la mujer como objeto pictórico, la relación entre la herencia visual de la pintura y la publicidad y, finalmente, la transformación del significado de la obra original en el marco de sus múltiples reproducciones.

¿Qué estás mirando?, de Will Gompertz

En ¿Qué estás mirando?, el crítico Will Gompertz propone una guía clara y accesible por los movimientos y artistas de los siglos XX y XXI. Lejos del lenguaje críptico que a menudo se asocia al mundo del arte, Gompertz opta por la cercanía y el sentido del humor, demostrando que comprender el arte contemporáneo no requiere erudición, sino curiosidad.

Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. Hace recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.

El arte contemporáneo. Entre el negocio y el lenguaje, de Angela Vettese

En una línea similar, , El arte contemporáneo. Entre el negocio y el lenguaje, de Angela Vettese, ofrece herramientas para comprender un sistema artístico que a menudo se percibe como opaco.

Pinturas, esculturas, instalaciones, vídeo, arte ambiental y público, performance, la contribución de las últimas tecnologías… A pesar de que al público le resulta difícil de entender y muchos críticos lo han declarado muerto, el arte nunca ha estado más vivo que en la actualidad. En sus nuevas formas, que han invadido el mundo en un contexto internacional cada vez más dinámico, por todas partes surgen exposiciones, museos y colecciones. ¿Se trata de una expansión únicamente mercantil, o hay que reconocer que todavía queda poesía en lo que denominamos arte contemporáneo? ¿Cómo estamos dispuestos a definir el arte? ¿Cómo funciona el sistema que le atribuye valor?

La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica, de Walter Benjamin

Vivimos en una cultura saturada de lo visual, donde las fronteras entre arte, publicidad y contenido digital son cada vez más difusas. En este contexto, el ensayo La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica, de Walter Benjamin, resulta sorprendentemente actual. Aunque escrito en el siglo XX, anticipa muchas de las preguntas que hoy nos hacemos sobre la circulación de imágenes y la pérdida —o transformación— de su “aura”.

Este libro se ha convertido en referencia imprescindible en los campos de la reflexión estética, la filosofía de la imagen, la teoría de los medios o los estudios culturales de las últimas décadas. Sin embargo, como apuntan los editores del volumen (publicado en 2021) en su introducción, sólo en conjunción con las reflexiones del propio Walter Benjamin sobre la ruptura de tradición y las transformaciones de la experiencia, así como con la vivencia epocal de su generación, marcada por la Gran Guerra, y la necesidad de responder al auge del fascismo en Europa también en los terrenos de la cultura y el arte, es como se puede abarcar cabalmente el sentido de estos textos.

Los condenados de la pantalla, de Hito Steyerl

Este libro recoge una serie de ensayos de la videoartista y crítica Hito Steyerl, publicados en la revista e-flux, en los que se da forma a una crítica de la creación audiovisual en nuestras sociedades hipermediatizadas. En tanto la mente, las emociones y la creatividad tomaron el lugar del cuerpo como las herramientas claves para la producción de valor, es necesario rastrear qué nuevas formas de alienación han surgido en este contexto y cuál es el destino de la práctica y la imaginación política cuando las utopías y deseos colectivos se han desplazado a las pantallas.

En la línea de su principal mentor, Harun Farocki, Steyerl se enfrenta al flujo de imágenes producidas por el capitalismo de la información (en especial a las imágenes-basura arrojadas en las playas de las economías digitales) a partir de un enfoque materialista, abordándolas no como representaciones sino como fragmentos del mundo, que participan de él creándolo, modificándolo y padeciendo sus leyes. Desde esta perspectiva, los formatos de baja resolución (AVI o JPEG) son interpretados como lumpenproletariados en la sociedad de clases de las apariencias, condenados por su resolución subestándar en lugar de valorados por transformar la calidad en accesibilidad; las fallas técnicas y glitches de las imágenes digitales son tratadas como heridas, huellas que testimonian la violenta dislocación que sufren al ingresar en el ciberespacio; y la imagen-spam, como una representación invisible ‒fabricada por máquinas, enviada por bots y capturada por filtros‒ que circula sin ser jamás vista por ningún ojo humano.

La obra de Hito Steyerl, parafraseando a Franco «Bifo» Berardi, funciona como una cartografía de la producción mediática en tiempos del semiocapitalismo, que describe con precisión cómo las imágenes son generadas, transportadas y consumidas hoy. Pero también como una cartografía de la sensibilidad emergente a partir de la cual imaginar hacia dónde debemos dirigirnos si queremos descubrir una nueva forma de actividad que ocupe el lugar del arte y la política.