ART DÉCO: 8 libros para entender el glamour de los años 20

El Art Déco definió una nueva idea de modernidad en el periodo de entreguerras, expandiéndose a todas las disciplinas del diseño —desde la arquitectura y el mobiliario hasta la moda y las artes gráficas— y alcanzando su consagración internacional en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Frente a la sinuosidad orgánica del Art Nouveau, impuso una estética basada en líneas rectas, geometría precisa y volúmenes rotundos, donde la simetría, el ritmo y la estilización se convirtieron en señas de identidad.

De carácter ecléctico, el Art Déco se nutrió de múltiples influencias como las vanguardias artísticas, la fascinación por la máquina y la velocidad, los avances tecnológicos y el impacto de los descubrimientos arqueológicos en Egipto y Mesopotamia. A ello se sumó un imaginario exótico y sofisticado alimentado por el orientalismo, la popularidad de relatos como Las mil y una noches y el influjo escénico de los Ballets Rusos. Más que expresar emociones profundas, este estilo aspiraba a crear objetos bellos, modernos y representativos de su tiempo: una síntesis visual de una sociedad fascinada por el progreso, el lujo y las nuevas formas de vida urbana.

Para comprender el Art Déco, proponemos un recorrido por algunos de los libros y estudios que abordan el periodo en toda su amplitud —desde su expansión en la arquitectura, las artes decorativas y la cultura visual, hasta monografías centradas en sus protagonistas—. Esta selección ofrece una mirada panorámica a través de títulos que contextualizan el movimiento, así como un acercamiento a algunas de sus figuras más influyentes.

El primer libro que queremos recomendar es Art Deco Complete. La guía definitiva de las artes decorativas de los años 20 y 30, de Alastair Duncan, uno de los grandes especialistas en la materia y antiguo responsable del departamento de artes decorativas del siglo XX en Christie’s Nueva York. El volumen reúne más de mil imágenes y traza un mapa completo del movimiento, consolidándose como una referencia fundamental del periodo.

Uno de los primeros estudios que analizó en profundidad el periodo es Art Deco of the 20s and 30s, de Bevis Hillier, obra en la que se define y delimita el estilo, situándolo como evolución y, al mismo tiempo, antítesis del Art Nouveau. Hillier traza su expansión desde la arquitectura de cines y hoteles hasta los interiores de transatlánticos y la producción en serie, estableciendo sus bases históricas y formales.

Otro título clave para contextualizar el periodo es Art Deco: The Golden Age of Graphic Art and Illustration (Masterworks), una celebración del Art Déco a través de sus manifestaciones gráficas e ilustradas. Organizado en tres secciones —el movimiento, la moda y la publicidad—, permite acercarse a figuras clave como Georges Barbier, Erté, A.M. Cassandre o Paul Colin, responsables de expandir y consolidar su lenguaje visual. Aunque centrado en la gráfica, el libro incorpora también ejemplos de escultura, joyería y objetos de arte que muestra la permeabilidad del estilo entre disciplinas.

En el ámbito de la pintura, destaca la figura de Tamara de Lempicka, cuyo estilo y vida condensan como pocos el espíritu del Art Déco. En la biografía de Laura Claridge, se analiza la construcción de su mito moderno, donde pintura, identidad y ambición personal se entrelazan en una obra marcada por la elegancia geométrica y el lujo sofisticado. El libro la sitúa en el centro de una época de transformación social, emancipación femenina y cultura de la imagen.

Otra de las figuras esenciales del periodo es el arquitecto William Van Alen. Higher, de Neal Bascomb, narra la intensa rivalidad en el Nueva York de los años veinte entre Van Alen y Craig Severance por construir el rascacielos más alto del mundo. El libro describe cómo el Chrysler Building —uno de los máximos exponentes arquitectónicos del Art Déco— y el 40 Wall Street protagonizaron una “carrera hacia el cielo”, a la que posteriormente se sumó el Empire State Building.

En el ámbito de la joyería, destaca René Lalique, pionero en la transformación de la joyería tradicional hacia una estética moderna. Su obra marcó el paso del Art Nouveau al Art Déco mediante el uso de formas geométricas, materiales innovadores y una estilización elegante de motivos naturales, convirtiendo la joyería en una forma de arte moderna y decorativa. Este universo creativo es analizado en The jewellery of René Lalique, de Vivienne Becker, que recorre su evolución hasta su consolidación como referente del diseño en cristal y joyería del siglo XX.

En el mobiliario, Jacques-Émile Ruhlmann representa la máxima expresión del lujo Art Déco. Considerado el “maestro del lujo moderno”, elevó el diseño de interiores a un nivel de refinamiento excepcional mediante el uso de maderas exóticas, líneas elegantes y una ejecución artesanal impecable. Su legado se recoge en Ruhlmann: Master of Art Deco, de Florence Camard, obra fundamental que analiza su producción y su papel como referente del mobiliario de la época.

Finalmente, Eileen Gray ocupa una posición singular en la transición entre el Art Déco y el diseño moderno. Su obra en mobiliario, interiores y arquitectura se caracteriza por la sobriedad, la innovación funcional y una sensibilidad adelantada a su tiempo, alejándose progresivamente de la ornamentación. Esta trayectoria se estudia en Eileen Gray:  Her Work and Her World, de Jennifer Goff, que destaca su papel como puente entre el lujo decorativo del Art Déco y los principios del diseño moderno.